GODS RETURN

Javier Marín. Exposición: Javier Marín. Puerto de Veracruz, 2014 Sede: Recorrido La gran plaza malecón y la plaza de la república, Puerto de Veracruz. Fecha:07 de noviembre de 2014.

Javier Marín

Let it all be for the love of art. When it comes to Javier Marin, this set frase adquires a new, literal meaning. He was brought up in a family of ten brothers and sisters, his father being an example to him in his conception of Art as a pure, hedonistic, disinterested form of self-expression which Javier himself would later develop in an outstanding, succesful career.
Human form at the very center of his work, his legacy consists in colossal sculptures built in clay and bronze that portray human condition as the result of two antagonic impulses, strength and vulnerabilty, which are depicted in all its carnality in limbs and amputated bodies imbued with a reinforced dignity. This deep Humanism sprinkles his understanding of Art as the ultimate essence of human condition, its ambassadors sharing a privileged duty in a rather unprivileged world. Martin speaks the Divine and the Human for Xion magazine from his workshop in Mexico D.F.

Javier Marín. Barbudo V, 2005. Resina de poliéster con aserrín. (Características especiales: una plaquita de bronce en donde terminan los chinos.)

You started out painting, in fact, in your family it was your father who started and thanks to him you inherited a love for art.

The role of my father as an artist was very important for me, because it was not one of a profesional artist but rather of a person who had a sensitivity for his art which he developed for himself, never with the intention of becoming a reference in the art world. He worked for himself, he lived those creative moments without any kind of conditioning, not because he had a comission or a deadline or because he aimed to sell anything, which caused him to unlink the concept of art with any other type of concern. That is what I learnt from him, by seeing that his best moments lived in the intimacy of personal pleasure had to do with creative work and they became something purely pleasureable and free of any type of conditioning. The little time he had, after working to feed his ten sons, he dedicated to painting and sculpting or drawing, and that teaches you to value art from another persepective. It wouldn’t have been the same if I had seen my father overwhelmed with making a deadline or thinking about what he should do or not to sell his work, issue which most artists face when they devote themselves professionally to the medium. He lived it in a less conditioned way, more natural.

You were self-taugh, how have you developed to have reached such artistry?

I believe that the training of the artist should be self-taugh, although nowadays it’s complicated as the option of schools which help you is widespread, and they really do help you, they work inside how the art world is set; but the act of following academic learning makes you learn and progress at the same time as it tends to define you and integrate you into margins, a style or a generation, which in itself limits you. I think you should arrive at that turn by yourself without anyone showing you the path, then it will be more authentic but on the other hand more complicated also, it’s not a path which everybody is willing to take.

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In your work we see a mixture of different branches such as Renaissance art, the Colombine beauty canon, mannerist poses, etc. What inspires you?

It’s not something I go searching for, I let my work develop by itself, and with time, after much work, a personal pattern has appeared which has to do with characteristics of different races or beauty canons of other countries. Going over my work, with time I realise that everything they say about it or everything that has been suggested to me as it’s influences or coincidences is true; it’s true that, for example, there’s the Olmec mouths, the mannerism, impressionism or anything which you can see through my work. Frankly, I’m proud that a component of universality can be taken from my pattern of work. It’s my belief that, even if we search for it or not, we are genetically the result of everything that preceeded us, all of the ages and cultural expressions, and in the end that vast quantity of influences comes out of our pores. I am pleased that it is this way, I don’t fight against it!

What is your beauty canon and upon what is it based? Why don’t you work with models?

Models don’t interest me because they are not part of my pursuit as an artist as I don’t feel the need to copy reality. I invent my own reality, I find it more suggestive to materialize all of that which we don’t see or talk about. For example, I never create fragile women because I don’t like that idea, I prefer hardened women, women that are breastfeeding or have given birth, and in the case of men, they are old, with experience; which is why I can’t find a model who I could take a photograph of and whose photograph would tell me all of that, all of that richness.

Javier Marín. Torso y Torso de mujer con cuatro cabezas intercambiables, 2002. Resina de poliéster.

We read in an interview that in the human body you look for yourself. In what way do you express yourself through your sculptures?

In the end, I believe, and not only in my case but the great mayority of artists, that my works are self-portraits, even though it may seem strange or gives the impression that it’s not. In my case, for example, there’s pain, feelings found or opposed in the sculptures, their positions; and they are like that because in the moment of creating them, that’s how I feel. All of the works I create come from within me and for that reason they have something of me in them, expressed in a simple manner as the body is part of a universal language which everybody can pick up more or less.

We don’t want to miss the opportunity to ask you about your divine influence when it comes to inspiration, for example your interest in angels and their wings in your piece “Aztec Cathedral Alterpiece”.

That was a seperate chapter. The wings are torn from the body violently, leaving a stump as a reference to the necessity to cling to a divine or superior entity of which the believers speak, and from this idea came many more which evolved in such a way that in the end it became a great project for the Aztec Cathedral.

Javier Marín. Cubo O, 2001. Bronce a la cera perdida. 50x50x45 cm.

Could it be that it has a second meaning?

I love double meanings, the fact that my work can interpret totally opposite arguments. For example, I have a sculpture of a woman who has gold dots all over her body. I thought they could be constellations on the robe of Our Lady Guadalupe, or it could be a machine gun burst, or both things at once.

What do you expect from the audience that observes your work?

Firstly, that they pause before my work or, at least, that the work catches their attention in some kind of way and they see themselves reflected in it, identifying themselves and seeing things that they normally wouldn’t see, allowing themselves to be touched in a way they have never been before. I work hard for that reaction, for that encounter between people and my work. I feel quite involved in it, and one of the best things that could happen to me is that the person is touched to the point of crying, something which has happened to me before, and which justifies and compensates many things in my work.

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There is also an erotic message behind a lot of them…

In absolutely all of them, as erotic as I or anybody else could be. In the end we are sexual beings, and to me, all I am, comes out of my pores, wether its working or making a gesture.

What’s the path like between inspiration and the finished piece?

I can’t be as linear anymore. I have reached a point where I work on several projects at the same time and I always have five or six sculptures started on which I work at the same time, and the ideas in my head also evolve. I can be working and suddenly I need to leave one and start to work on another to relieve my mind. Something that inspires me, a feeling, a sensation or something, and it materializes in my mind, takes form and I embody it.

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Some of the sculptures really caught our attention because they are very shocking as they are made up of parts from different bodies. Did you intend to represent anything with those body carpets?

Those sculptures began as an exercise. They are copies of my sculptures make from old molds which are in a bad state. I made simple resin copies and then I put them together with the idea of making something out of something else I had already made. The first proyect of this type that I made was in the Venetian Biennial in the oratory of Saint Giovanni di Paolo, in which there was only an empty religious space and a small neoclassical altar with a crucifix, and then I decided to make this sort of offering which is a waterfall of fragments of bodies, thinking about the religious offerings of other times consisting of wax bodyparts; which is why the colour is similar to wax and the rug of bodies which measures ten by four metres.

After that I have continued to play with the idea of reusing my work, the pieces I have already used in which the molds have deteriorated, and to make copies from them to create new ones. I made something similar for a temporary proyect in the House of America of Madrid, which consisted of two five metre diamater circles which where exhibited for a time on the wall.

Why circles?

I loved the idea of talking about equality, thinking of Spain and Mexico, and that’s why I made prehispanic mexican circles named Chalchihui, made of one circle and another circle in the middle which represented that most valued: a drop of water or blood, depending on the color. So I took this symbol of the Chalchihui and I covered it in bodies and made two more circles the same, reflecting the equality in the historic contrast between two nations as two drops of water or the same blood. In Mexico or in Spain there is still talk about the conquest, and I wanted to exhibit the ideas of the conquerors and the conquered as part of the same group because in the end we are all capable of doing the same things. In Mexico lots of people still make use of the anti-conquest speech which, in my opinion, is a little ridiculous because the mexicans, before the spanish conquest, were terrible conquerors and also the mexicans today are the result of the mix between the natives and the spanish. Currently, Spain the conqueror doesn’t exist, nor does Mexico the conquered.

Javier Marín,
Mayo 2015, México D.F.

Javier Marín es, literalmente, puro amor al arte. Criado en una familia de diez hermanos, la entrega hedonista y desinteresada de su padre al placer de la creación forjó en él un enfoque libérrimo de ésta que con el tiempo, paradójicamente, se convertiría en su profesión y a él en un escultor de éxito.
Con la figura humana como eje absoluto de su obra, su legado se compone de descomunales figuras en barro o bronce que la representan como la confluencia de dos pulsiones opuestas, la fuerza y la vulnerabilidad, representadas en su más rotunda carnalidad a partir de cuerpos frecuentemente desmembrados que, en su imperfección, destilan una dignidad fortalecida. Este profundo humanismo se extiende también a su concepción del arte como esencia inherente y distintiva a la condición humana, y a sus embajadores como seres privilegiados en un mundo con escaso margen para ello. Desde su taller en México D.F., Marín reflexiona sobre lo humano y lo divino para Xion magazine.

Javier Marín. Barbudo V, 2005. Resina de poliéster con aserrín. (Características especiales: una plaquita de bronce en donde terminan los chinos.)

Comenzaste pintando, de hecho, en tu familia fue tu padre el que comenzó y gracias a él heredasteis el amor por el arte.

 La figura de mi padre como artista fue muy importante para mí, pues no fue la de un artista profesional sino la de una persona que tenía una sensibilidad en su arte que desarrollaba para sí mismo, nunca con la intención de convertirse en referente dentro del mundo del arte. Trabajaba para él, vivía esos momentos creativos sin ningún tipo de condicionante, no porque tuviese un encargo o fecha límite o porque pretendiese vender nada, lo que provocaba que desvinculase el concepto del arte de cualquier otro tipo de interés. Eso es lo que aprendí de él, al ver que sus mejores momentos vividos en intimidad de goce personal tenían que ver con el trabajo creativo y se convertían en algo absolutamente placentero y liberado de cualquier tipo de condición. El poco tiempo que sacaba después de trabajar para alimentar a sus diez hijos lo dedicaba a pintar y a esculpir o dibujar, y eso te enseña a valorar el arte desde otra perspectiva. Para mí no hubiese sido lo mismo ver a mi padre agobiado por no llegar a una fecha o pensando qué debería hacer o no para que se vendiera, problemática que suele tener un artista que se dedique profesionalmente al medio. Él lo vivía de forma menos condicionada, más natural.

Fuiste autodidacta, ¿cómo te has desarrollado hasta llegar a ese nivel de maestría?

Creo que la formación como artista debería ser autodidacta, aunque hoy en día es algo complicado puesto que está muy extendida la opción de las escuelas que te ayudan a ello, y verdaderamente lo hacen, funcionan dentro de cómo está planteado el mundo del arte; pero el hecho de seguir un aprendizaje académico, a la vez que te hace aprender y progresar, tiende a definirte e integrarte dentro de unos márgenes, estilo o generación, que por ende te limita. Pienso que a esa revolución habría que llegar de forma individual, sin que nadie te muestre el camino, pues resultará más auténtico y por otra parte más complicado también, no todo el mundo está dispuesto a pasar por ello.

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En tu obra vemos una mezcla de diferentes ramas tales como el arte renacentista, el canon de belleza precolombino, poses manieristas, etcétera. ¿Cuál es tu inspiración?

No es algo que vaya buscando, dejo que mi trabajo se desarrolle por sí solo, y con el paso del tiempo, tras mucho hacer y hacer, se ha ido configurando un modelo personal que tiene que ver con características de diferentes razas o modelos de belleza de otras culturas. Revisando mi trabajo, con el tiempo me doy cuenta de que es verdad todo lo que me han dicho sobre él o todo lo que me han sugerido en cuanto a sus influencias o coincidencias; es cierto que ahí está, por ejemplo, lo de las bocas Olmecas, el manierismo, impresionismo o todo lo que se pueda ver a través de mis obras. Francamente, me enorgullece que se pueda rescatar en mi modelo de trabajo un componente de universalidad. Creo que, lo busquemos o no, somos genéticamente resultado de todo lo que nos precedió, de todas las épocas y de todas las expresiones culturales, y al final sale por los poros esa cantidad de influencias. ¡Me complace mucho que sea así, no lucho contra ello!

¿Cuál es tu canon de belleza y en qué se basa? ¿Por qué no trabajas con modelos?

Los modelos no me interesan porque no entran dentro de mi búsqueda como artista ya que no siento la necesidad de copiar la realidad. Mi realidad la invento yo, me resulta mucho más sugerente materializar lo que no todos vemos y hablar de ello. Por ejemplo, nunca realizo mujeres frágiles porque no me gusta esa idea, prefiero las mujeres curtidas, mujeres que están amamantando o que han parido, y en el caso de los hombres, que sean viejos, con experiencia, por lo que no encuentro un modelo al que pudiese realizarle una fotografía y que en ella me contase todo eso, toda esa riqueza.

Javier Marín. Torso y Torso de mujer con cuatro cabezas intercambiables, 2002. Resina de poliéster.

En una entrevista leímos que en el cuerpo humano te buscas a ti mismo. ¿De qué manera te expresas a través de tus esculturas?

Creo, no sólo en mi caso, sino en el de gran parte de los artistas, que mis obras al final son autorretratos,aunque resulte extraño, o no dé esa impresión. En mi caso, por ejemplo, hay dolor, sentimientos encontrados o contrapuestos en las esculturas, en sus posiciones, y eso resulta así porque en el momento de crearlas es así como me siento. Todas las obras que realizo salen de mí y por ello tienen algo de mí en ellas expresado de una forma sencilla ya que el cuerpo forma parte de un lenguaje universal y todo el mundo puede captarlo en mayor o menor medida.

No queremos perder la oportunidad de preguntarte sobre tu influencia divina a la hora de inspirarte, por ejemplo por tu interés por los ángeles y sus alas en tu obra Retablo Catedral de Zacatecas.

Ese fue un capítulo aparte. Las alas están arrancadas del cuerpo de manera violenta, dejando un muñón a la vista como referencia a la necesidad de aferrarse a un ente divino o superior del que hablan los creyentes. De esta idea salieron muchas otras que fueron evolucionando, de tal forma que al final terminó siendo un gran proyecto para la catedral de Zacatecas.

Javier Marín. Cubo O, 2001. Bronce a la cera perdida. 50x50x45 cm.

¿Podría ser que tuviese una segunda lectura?

Me encantan los dobles sentidos, que mi trabajo pueda ser interpretado como discursos completamente opuestos. Por ejemplo, tengo una escultura de una mujer que tiene puntos dorados por todo el cuerpo, de la cual pensé que podrían ser constelaciones en el manto de la Virgen de Guadalupe, o podría ser una ráfaga de metralleta, o ambas cosas a la vez.

¿Qué esperas del público que observa tu trabajo?

Primeramente, que se detenga ante él, que capte su atención. También que se vea reflejado y vea cosas que habitualmente no vería, que se deje tocar de una forma como nunca se haya dejado antes. Trabajo mucho por esa reacción, por ese encuentro de la gente con mi trabajo. Me siento bastante involucrado con eso y una de las mejores cosas que me pueden pasar es que la persona se emocione hasta el punto de llorar, cosa que alguna vez me ha pasado, y que justifica y compensa muchas cosas.

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Hay también un mensaje erótico detrás de muchas de ellas…

Absolutamente en todas, tan erótico como puedo ser yo o cualquiera. Al final somos seres sexuales, y a mí lo que soy me sale por todos lados, ya sea trabajando o en cualquier otro gesto.

¿Cómo es el camino que va entre la inspiración y la obra realizada?

Ya no puedo ser tan lineal. He llegado a un punto en el que voy trabajando en varios proyectos a la vez y siempre tengo cinco o seis esculturas empezadas en las que trabajo a la vez, y las ideas en la cabeza van evolucionando. Estoy trabajando y de repente necesito dejar una y empezar a trabajar con otra para relajar la cabeza. Algo me inspira, un sentimiento, una sensación o algo, y se materializa en mi cabeza, toma forma y lo plasmo.

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Algunas esculturas nos llamaron especialmente la atención por ser muy impactantes al estar formadas por partes de diferentes cuerpos. ¿Pretendes representar algo con esas alfombras de cuerpos?

Esas esculturas comenzaron como un ejercicio. Son copias de esculturas mías sacadas de viejos moldes en mal estado. Hice esas copias sencillas en resina y luego las fui amarrando con la idea de construir algo a partir de otra cosa que ya había hecho. El primer proyecto que hice de este tipo fue en la Bienal de Venecia, en el oratorio de San Giovanni di Paolo, en el que había únicamente un espacio vacío religioso y un pequeño altar neoclásico con crucifijo. Decidí hacer una especie de ofrenda a partir de esta cascada de fragmentos de cuerpos, pensando un poco en los votos religiosos que se hacían en otras épocas, consistentes en partes de cuerpos hechas con cera. De ahí el color similar a la cera y el tapete de cuerpos que mide diez por cuatro metros.

Después de aquello he seguido jugando con la idea de reutilizar las piezas ya utilizadas en las que los moldes están deteriorados, haciendo copias a partir de ellas para construir otras nuevas. Hice algo similar para un proyecto temporal en la Casa de América de Madrid, que consistía en dos círculos de cinco metros de diámetro que estuvieron expuestos un tiempo en la fachada.

¿Por qué círculos?

Me encantaba la idea de hablar de la igualdad, pensando en España y México, y por ello hice unos círculos prehispánicos mexicanos que se llaman Chalchihuitl, dos círculos concéntricos que representan lo más preciado: una gota de agua o de sangre, dependiendo del color con el que se representaba. Tomé este símbolo del Chalchihuitl y lo recubrí de cuerpos, haciendo dos círculos iguales que reflejan el contraste histórico entre dos naciones como gotas de agua o de la misma sangre. En México o en España se sigue hablando de la conquista y yo quise exponer la idea de los conquistadores y los conquistados como la misma gente, pues al final todos somos capaces de hacer las mismas cosas. En México, hasta la fecha, mucha gente hace uso de ese discurso anticonquista que, en mi opinión, resulta un poco ridículo porque los mexicanos, antes de la conquista española, eran terribles conquistadores y, además los mexicanos actuales son el resultado de la mezcla entre los nativos y los españoles. Actualmente no existe ni la España conquistadora ni el México conquistado.

Javier Marín,
Mayo 2015, México D.F.